Pouvez-vous nous présenter l’atelier que vous mènerez lors du Festival Motion Motion ?

C’est très simple : 2 ou 3 caméra/tablettes reliés à des ordinateurs, des centaines d’images imprimées issues de vieilles encyclopédies ou de magazines de mode, des ciseaux pour découper et après il n’y a plus qu’à expérimenter des collages, des mouvements, et pourquoi pas une petite histoire.

L’animation apparait souvent comme un domaine très technique. Comment avez-vous envisagé cet atelier pour qu’il soit accessible aux jeunes publics ?

« Apparait » oui, c’est bien bon mot. Oui, ça peut vite devenir très technique, mais ce n’est pas ça qui m’intéresse dans l’animation. Pour moi il faut s’amuser. Quand on s’amuse on trouve des solutions à tout. Qu’elles soient techniques ou créatives. Avec les jeunes, je leur montre qu’on peut s’amuser en faisant des choses techniquement très simples, la seule chose qu’il faut c’est l’envie de s’émerveiller. Voir des bouts de papier prendre vie en moins de 5 minutes, c’est magique !

Avez-vous d’autres projets d’atelier de pratique artistique cette année ?

Je viens de réaliser la bande annonce du Festival de cinéma de La Rochelle avec les étudiants de l’EMCA, l’école de cinéma d’animation d’Angoulême. ?C’était très intéressant de créer avec des jeunes qui bossent comme des cinglés sur des logiciels complexes, alors que moi en général j’utilise des ciseaux ou des crayons.?Je réalise un clip en animation pour le super groupe Magic Spencer avec des lycéens en option cinéma à Rochefort, pour le Festival de cinéma de La Rochelle.
Fin juin, un atelier de grattage sur pellicule pendant le festival Ciné Demeurée !
En juillet un autre atelier autour de la danse avec le Centre Chorégraphique National de Normandie, en collaboration avec le réalisateur Antoine Blandin.

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Pour cette 3ème édition, nous finissons les interviews par notre pastille « La preuve par neuf », le principe est simple : 3 questions auxquelles vous apportez 3 réponses à chaque fois !

Votre définition du Motion Design en 3 mots :
Je sais pas vraiment : de l’habillage en animation ? Ça ne me parle pas plus que ça alors je vais dire des mots que j’aime bien : jeu, magie, résonance

3 œuvres/inspirations qui vous ont marquées et/ou ont changées votre regard :
Quand j’étais aux Beaux arts, j’ai lu dans un magazine une interview de Pakito Bolino (le Dernier Cri) dans laquelle il disait « moi c’est tous les potards à fond « . J’aime ça : on y va à fond, on réfléchi pas (sinon on fait rien).
Lost Highway de David Lynch : des visions incroyables, livrées sans explication, le mystère dans toute sa splendeur.
Vivre au rythme des animaux dans une ferme. Les chèvres, c’est bien plus inspirant que les youtubers

3 artistes à découvrir d’urgence :
– Le groupe Lady Fitness
– BLU
– La peintre Florida Daniel

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Pour la 3ème édition du Festival Motion Motion, vous présentez une installation interactive appelée le GIFoscope. Comment est né ce projet ?

Sur une proposition du festival lui-même qui m’a donné l’occasion d’utiliser le praxinoscope mis à disposition par l’association Le Cercle.

Le GIF animé est un format qui est entré dans la culture populaire. Quels liens faites-vous entre les GIFs, l’animation traditionnelle et le motion design ?

Un lien purement formel. Celui de l’image animée comme moyen de transmission d’informations ou d’émotions.

Le GIFoscope proposera au spectateur de manipuler des GIFs pour réaliser des créations originales. Comment avez-vous envisagé l’interactivité avec le public ?

Le praxinoscope utilisé dans l’installation a été créé par l’association Le Cercle a des fins pédagogique et ludique. Le festival étant gratuit et ouvert à tous, le GIFoscope sera donc une œuvre facilement accessible et manipulable par tous.

Les GIFs sont principalement utilisées comme des éléments d’illustration de conversations sur le web. Comment réinterprétez-vous ces codes pour donner toute sa place à la créativité ?

Mon but est simplement d’amener les passants non plus à regarder ces animations comme de simples moyens de communication sur les réseaux sociaux mais à les ramener à leur statut d’objet graphique à part entière s’inscrivant dans une histoire de l’image animée. C’est la matérialité même du medium, ses qualités et ses défauts que j’aime à mettre en évidence. Les tout premiers films diffusés en public l’ont été lors de fêtes foraines notamment. Un festival de motion design me semble être l’endroit idéal pour pousser le public à s’amuser, détourner, jouer avec les codes des images que nous regardons sans doute de manière trop passive habituellement.

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Pour cette 3ème édition, nous finissons les interviews par notre pastille « La preuve par neuf », le principe est simple : 3 questions auxquelles vous apportez 3 réponses à chaque fois !

Votre définition du Motion Design en 3 mots :
– graphisme
– animation
– information
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Sinon j’ai l’habitude de dire que le design c’est la technique et l’art d’apporter une information à l’aide d’une animation.

3 œuvres/inspirations qui vous ont marquées et/ou ont changées votre regard :
– Le travail de de Philipp Seefeldt pour l’émission Karambolage sur Arte
– Toute l’œuvre de Norman McLaren
– Les techniques d’animation de David O’Reilly

3 artistes à découvrir d’urgence :
– Charlotte Arene
– Sophie Koko Gate
– COLIN

L’article Simon Dronet – Le GIFoscope est apparu en premier sur Blog Motion Motion.

Anger & Hope est votre 2ème collaboration après Timée qu’on avait pu découvrir en 2015. Pouvez-vous nous parler de votre rencontre et de la genèse de cette nouvelle installation qui le public découvrira lors de l’édition 2019 de Motion Motion ?

Il s’agit en réalité de notre 8e collaboration avec Philippe. Cela doit faire 11 ans que nous travaillons ensemble suite à notre rencontre sur un projet théâtral. Cette nouvelle pièce s’inscrit dans la continuité des nos préoccupations, à savoir la recherche d’une écriture commune entre image et sons. Pour Anger & Hope, nous avons testé de nouveaux outils permettant de transformer des sons en images et inversement. Il s’agit encore une fois de donner à voir des fréquences sonores ou de faire entendre des images.

Anger & Hope est un œuvre faisant référence au mythe de la boite de Pandore. ?Qu’est-ce qui a guidé votre choix dans la réinterprétation de cette épisode de la mythologie classique ?

Dans la mythologie, Pandore, première femme créée par les dieux, ouvre la boîte malgré l’interdiction de Zeus, et libère tous les maux qui tourmenteront l’humanité. C’est la version grecque d’Ève et du serpent, encore une sale histoire de femme pécheresse et trop curieuse. Je me suis d’abord dit que c’était bien ringard comme thématique, un coup à se faire allumer de tous les côtés. En m’intéressant à ce que la boîte contenait, j’ai appris que parmi les maux il y avait la colère et, de manière plus étrange, l’espoir. J’ai trouvé ce paradoxe résolument plus actuel, voire symptomatique d’un changement sociétal.
J’ai donc décidé d’axer le projet sur ce que la boîte contenait, d’essayer de matérialiser ces deux émotions via un dispositif inédit.

Vos travaux respectifs s’attachent à inventer de nouveaux langages visuels et sonores en s’affranchissant des structures traditionnelles. Comment s’articule votre processus de création entre la composition musicales et l’installation lumineuse?

On a fait beaucoup d’allers-retours entre la création musicale et les contenus visuels pour trouver ce qui nous semblait le plus juste. Cela s’accompagne de recherches techniques comme la création de nouveaux outils. Il a également fallu travailler avec le dispositif lors d’une résidence à Stereolux pour se rendre compte du résultat et adapter en fonction, car le rendu est forcément différent que sur un écran 15 pouces en 2D.

Anger & Hope proposera une expérience sensorielle totale. Comment abordez-vous la dimension immersive d’une œuvre ? ?

Les « expériences sensorielles et immersives » sont très à la mode. Ça commence à sonner marketing et je n’ai pas encore trouvé de synonyme convaincant. Mais c’est vrai que j’essaie généralement de placer les spectateurs au centre de chaque projet comme dans un film dont ils seraient les acteurs. L’intention est d’aller les provoquer physiquement dans un premier temps, puis de suggérer une trame narrative dont l’interprétation reste très libre.
Sur Anger & Hope, c’est un peu différent car les visuels restent contenus dans des boîtes. Il s’agit plutôt d’un dispositif stéréoscopique et stéréophonique dans lequel regards et écoute sont constamment en mouvement.

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Pour cette 3ème édition, nous finissons les interviews par notre pastille « La preuve par neuf », le principe est simple : 3 questions auxquelles vous apportez 3 réponses à chaque fois !

Votre définition du Motion Design en 3 mots :
Mouvement, pas mieux.

3 œuvres/inspirations qui vous ont marquées et/ou ont changées votre regard :
Brakhage, Soulages, Ian Curtis.

3 artistes à découvrir d’urgence :
Brakhage, Soulages, Ian Curtis

L’article Guillaume Marmin et Philippe Gordiani – Anger & Hope est apparu en premier sur Blog Motion Motion.

Pouvez-vous nous dire comment est né le projet Character Synth ?

Il y a quelques années, j’ai expérimenté l’animation à travers des ondes pures. J’injectais des fréquences pures dans les os des personnages. Je me suis amusé à combiner et décaler ces fréquences. C’était une phase d’expérimentation très créative. Grâce à cette technique, je pouvais concevoir des animations auxquelles je n’aurais jamais pensé avant. Un matin, en regardant ma manette midi, il a eu une sorte de déclic. Cette façon simple d’animer pouvait se prêter très facilement à un moteur en temps réel !

Comment avez-vous envisagé le rapport entre l’animation et les compositions musicales de Giori Politi ?

Une fois le projet lancé, il était assez évident que le son en fasse partie, puisque la manipulation se fait via un synthétiseur. Par ailleurs, créer un dialogue entre les mouvements et le son m’intéressait beaucoup car ils étaient tous deux simultanés, ce qui signifiait qu’ils pouvaient aussi se libérer l’un de l’autre. ?J’espère que cela a du sens J’ai fait équipe avec mon ami de longue date et collaborateur Giori Politi. Giori est un musicien issu de la programmation qui pouvait facilement se retrouver dans ce projet. Nous avons travaillé en parallèle en laissant le visuel influencé l’audio et vice versa.

Character Synth est une installation qui met le public à contribution, en quoi la dimension interactive était importante pour vous ?

Super important, c’est vraiment son essence. Je voulais vraiment rendre l’animation de personnage accessible à un public d’enfants et de gens qui n’animent jamais. Même si c’est ludique, je ne le vois pas comme un jouet qui possède des animations prédéfinies, mais je souhaitais vraiment que le public ait un niveau minimum de contrôle en demeurant simple et amusant.

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Pour cette 3ème édition, nous finissons les interviews par notre pastille « La preuve par neuf », le principe est simple : 3 questions auxquelles vous apportez 3 réponses à chaque fois !

Votre définition du Motion Design en 3 mots :
ondes, bruit, silence

3 œuvres/inspirations qui vous ont marquées et/ou ont changées votre regard :
– In the airplane over the sea by Neutral Milk Hotel
– Nils Holgerson animated series
– Genius Part Anthology

3 artistes à découvrir d’urgence :
– Rob Moss Wilson
– Ian Cheng
– Andrew Benson

L’article Eran Hilleli – Character Synth est apparu en premier sur Blog Motion Motion.

A l’occasion du Festival Motion Motion, vous viendrez nous présenter une rétrospective de vos réalisations. Avec plus de 400 génériques à votre actif, cela n’a pas du être facile de créer ce montage original. Comment avez-vous choisi les extraits que le public va découvrir ???

Je souhaitais que les spectateurs puissent voir et apprécier les génériques de films qui les ont touchés, qu’ils puissent se replonger dans les émotions qu’ils ont éprouvées la première fois qu’ils les ont vus. Très souvent dans mes échanges avec le public, les gens viennent me voir pour me dire ce que ces films évoquent pour eux dans leurs histoires personnelles.

Votre rencontre avec Saul Bass a influencé votre approche du métier. Quel est le principal enseignement que vous avez appris à ses côtés ???

Il m’a appris qu’il fallait être audacieux et faire confiance à ses intuitions pour créer de nouvelles approches du graphisme. Enfin il m’a enseigné qu’il fallait croire en ses idées mais au delà qu’il fallait les mener à leur terme, les réaliser concrètement. C’est là le véritable acte de création.

Graphiste, Typographe, Title designer, Motion designer… comment définissez-vous votre travail ?

Mon travail consiste à guider les spectateurs en installant une ambiance, un cadre, parfois les personnages en dévoilant les titres de manière élégante. C’est une étape importante pour immerger le public dans le propos du film.

Pouvez-vous nous éclairez sur votre process de création ? Comment abordez-vous un nouveau projet ???

J’essaie d’en apprendre le maximum possible sur l’histoire, les personnages, le décor et tout autre élément du film afin de créer et concevoir la meilleure voie pour entrer dans le film tout en découvrant les différents titres.

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Pour cette 3ème édition, nous finissons les interviews par notre pastille « La preuve par neuf », le principe est simple : 3 questions auxquelles vous apportez 3 réponses à chaque fois !

Votre définition du Motion Design en 3 mots :
Des formes énergiquement gracieuses

3 œuvres/inspirations qui vous ont marquées et/ou ont changées votre regard :
– Rhapsody in Blue de Gershwin
– Les graphismes de Saul Bass
– Les films de Billy Wilder

3 artistes à découvrir d’urgence :
– Léonard de Vinci
– Joan Miro
– M.C. Escher

L’article Dan Perri – Retrospective est apparu en premier sur Blog Motion Motion.

Pursuit of sound est le fruit de votre collaboration avec 20syl à l’occasion de la Digital Week. Pouvez-vous nous en dire plus sur la genèse de ce projet ?

Pursuit of Sound est un projet interne, une expérimentation de Biborg qui est né en 2015 à l’occasion de la fête de la musique.
L’année dernière, nous voulions produire une nouvelle expérience et dépoussiérer le concept. Le pousser plus loin pour en faire une expérience plus proche de la danse et une expérience à partager. Comme nous avons une antenne de production à Nantes, nous avons assez naturellement tenté de nous rapprocher d’un artiste local. 20syl, qui est lui même un grand connaisseur des installations digitales interactives, a très gentiment accepté notre proposition de collaboration.

Cette installation interactive se veut avant tout ludique et ouverte à tout public. Pouvez-vous nous en expliquer les principes/les règles ?

Pursuit of Sound est assez proche d’un jeu de rythme tel que Guitar Hero : des notes symbolisées à l’écran défilent du haut vers le bas et vous devez les attraper au dernier moment avant qu’elles ne disparaissent. La différence c’est que vous contrôlez le jeu avec votre corps. Les mouvements de votre bassin pour être plus précis. Concrètement pour attraper les notes, vous devez danser en rythme sur la musique.

Comment avez-vous concilié gaming et création artistique pour concevoir Pursuit of sound ? Quels étaient les enjeux de cet équilibre subtil ?

Pursuit of sound devait être ludique, accessible mais aussi une expérience à partager. Sur scène d’abord puisque le jeu se joue à 2 simultanément mais il se devait d’être également une expérience agréable en tant que spectateur. Pour atteindre tous ces objectifs, il faut bien entendu travailler l’esthétique sonore et visuelle mais également bien doser le challenge proposé. Pursuit of sound n’est jamais dans la punition. Il essaie de récompenser le joueur de façon visuelle et sonore pour toutes ses petites réussites. Il est également capable de s’adapter dynamiquement en cours de partie pour offrir une expérience amusante quel que soit votre niveau. En tant que spectateur, il y a également un vrai plaisir à voir les gens évoluer sur scène. Toujours à 2. Amis, couples, enfants, mère et fille…

Avez-vous d’autres projets de collaboration avec 20syl en gestation dont vous pourriez nous parler ?

Rien de défini pour l’instant. Mais rien ne nous ferait plus plaisir que de faire évoluer encore cette expérience avec 20syl ou d’en créer de nouvelles !

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Pour cette 3ème édition, nous finissons les interviews par notre pastille « La preuve par neuf », le principe est simple : 3 questions auxquelles vous apportez 3 réponses à chaque fois !

Votre définition du Motion Design en 3 mots :
image rythmée, dynamique et vivante

3 œuvres/inspirations qui vous ont marquées et/ou ont changées votre regard :
– Nike – Air Max Zero (2015)
– 12 principles of animation (2014)
– Honda « Hands » (2013)

– Arben Vllasaliu (expérimentations 3D/loops)
– Mike Winkelmann aka Beeple (1 créa par jour pendant 11 ans)
– Michael Marczewski (ex-DA ManVsMachine, expert WTF)

L’article BIBORG feat 20syl – Pursuit Of Sound est apparu en premier sur Blog Motion Motion.

La forme d’une ville s’attache à restituer l’âme de la ville de Nantes par fragments. Votre premier film, Paris capitale du XIXème siècle, travaillait aussi cette thématique. Comment définiriez-vous votre rapport à l’urbanité?

J’ai été très tôt intéressé par le thème de la grande ville au travers de classiques comme Metropolis ou Ghost in the Shell et par les œuvres de Berenice Abbott et de Katsuhiro Otomo. Mon arrivée à Paris a transformé cette attirance en véritable fascination. La multitude des rues et toutes les fenêtres allumées de ces immeubles, la nuit, sont propices à la rêverie et à l’imagination. Pour moi chaque ville est un Sphinx. C’est la découverte de Walter Benjamin et de son « Paris, capitale du XIXème siècle » qui m’a donné une des clés de l’énigme urbaine.

Pour capter l’essence de la ville, vous accordez beaucoup d’importance à l’errance et la flânerie. Faut-il vous y perdre pour mieux vous imprégner de son atmosphère?

C’est difficile de savoir. Quelle est l’atmosphère d’une ville? Quelle est la forme d’une ville ? A mon sens, cette forme épouse celle de la mémoire des lieux. Elle va être définie par l’état d’esprit du flâneur et les évènements qui s’y déroulent durant son errance. Cette forme peut changer d’une journée sur l’autre alors que l’itinéraire peut rester très exactement le même.
Aussi, je pense qu’il est plus facile de se perdre et d’errer dans une ville que l’on connait que le contraire. Il y a toujours une sorte d’urgence à devoir visiter les lieux dits remarquables d’une ville que l’on ne connait pas.
Par exemple, il m’était impossible de venir à Nantes sans voir le Passage Pommeraye. J’avais donc planifié plusieurs lieux à voir sans vraiment définir un parcours précis. Il s’agit donc là plus d’une errance aléatoire que d’une flânerie hasardeuse.

Vos films déploient le champ de la rêverie de l’onirisme. En quoi un univers de béton peut-il se révéler poétique et propre à l’imaginaire?

Pour y répondre, je vous propose les premiers vers du poème Le Soleil de Baudelaire.
Le roi des poètes a exprimé cette idée mieux que personne.
« Le long du vieux faubourg, où pendent aux masures
Les persiennes, abri des secrètes luxures,
Quand le soleil cruel frappe à traits redoublés
Sur la ville et les champs, sur les toits et les blés,
Je vais m’exercer seul à ma fantasque escrime,
Flairant dans tous les coins les hasards de la rime,
Trébuchant sur les mots comme sur les pavés,
Heurtant parfois des vers depuis longtemps rêvés.[…] »

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Pour cette 3ème édition, nous finissons les interviews par notre pastille « La preuve par neuf », le principe est simple : 3 questions auxquelles vous apportez 3 réponses à chaque fois !

Votre définition du Motion Design en 3 mots :
– Fischinger
– Ruttmann
– Eggering

3 œuvres/inspirations qui vous ont marquées et/ou ont changées votre regard :
– Histoire(s) du Cinéma
– Au Début
– Blade Runner

3 artistes à découvrir d’urgence :
– Godard
– Pelechian
– Philip K Dick

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Pouvez-vous nous expliquer les principes de « A word a week » ?

J’ai lancé « A word a week » car j’étais curieux de savoir comment d’autres personnes utiliseraient nos polices animées. Nous essayons d’intégrer de nombreuses fonctionnalités personnalisables à nos typographies afin que les utilisateurs puissent se les approprier. Pour mieux comprendre si c’est le cas, nous aimons voir nos productions utilisées et détournées par d’autres artistes. C’est la raison pour laquelle j’ai contacté des amis talentueux pour leur demander s’ils souhaitaient créer un travail personnel comportant une police de notre collection.??Pour pouvoir partager cela avec la communauté, nous avons mis en place des règles simples comme le format carré jouant de préférence en boucle. Et le plus important, le choix d’un mot, écrit dans l’une de nos polices.

Avez-vous sollicité des artistes directement ou est-ce que tout le monde pouvait participé au projet ? Comment s’est tissé le lien avec les créateurs et le studio ?

Il y a beaucoup de projets ouverts à tous, mais ce projet était sur invitation seulement. Je voulais avoir un certain niveau de contrôle sur la qualité et je souhaitais assurer une belle variété de styles. La plupart des artistes participant à ce projet sont des personnes que je connais ou que j’ai rencontrées lors de conférences. Quelques autres sont venus, recommandés par ceux que je connaissais déjà. C’est un très bon moyen pour élargir notre réseau et pour resserrer les liens avec nos amis nouveaux et existants.

Lorsque vous créez une nouvelle typographie, avez-vous en tête le fait qu’elle pourra être animée par la suite ? Quelle effet cela vous fait de voir vos typos mises en mouvement ?

Parfois, une police de caractères ne demande qu’à être animée ! C’est peut-être parce que la conception est très modulaire et qu’elle peut être séparée facilement ??En tout cas, leurs utilisations donnent toujours quelque chose de différent. Mais dans la plupart des cas, la création d’une police de caractères animée génère de nouvelles idées. C’est comme une boucle d’inspiration sans fin.

Souhaitez-vous reconduire ce magnifique projet ou avez-vous d’autres idées de créations collectives ?

Peut être. Peut être pas. Ce projet a remporté un grand succès, mais c’est aussi très chronophage. Pour l’instant, je souhaite me concentrer sur la création de nouvelles polices animées. Peut-être que l’année prochaine, l’envie me démangera encore ? Je commencerai à penser à un nouveau projet communautaire.

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Pour cette 3ème édition, nous finissons les interviews par notre pastille « La preuve par neuf », le principe est simple : 3 questions auxquelles vous apportez 3 réponses à chaque fois !

Votre définition du Motion Design en 3 mots :
Penser, Faire, Bouger

3 œuvres/inspirations qui vous ont marquées et/ou ont changées votre regard :
– Sonar, by Possible Metrics
– One Thousand, by Ranisafa
– For Agile, by 2Veinte

3 artistes à découvrir d’urgence :
Je vais faire 3×3 parce que vous connaissez probablement déjà la plupart de ces artistes :
– Machine 3D : Andreas Wannerstedt, Oscar Pettersson, Lucas Zanotto
– Typographies cinétiques : Federico Leggio, Anthony Velen, DIA
– 2D géométrique : Andrew Vucko, Jordan Scott, JR Canest

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Vous avez pu découvrir au cours de cette journée une selection de 20 films sortis dans l’année de motions designers français, montrant la diversité des styles et des techniques. En fin de journée, un prix du Jury, constitué des conférenciers, ainsi qu’un prix du public, décerné par les visiteurs, ont été remis.

Le Prix du Jury à été délivré à François Leroy, aka Friendly Robot, pour son film No Signal que vous pouvez redécouvrir ci-dessous.

Pour le Prix du Public vous avez été plus de 250 à voter pour votre film favoris et celui ci revient à Julien Brugière, aka shoobAKA, pour son film pour Degiheugi à redécouvrir ci-dessous.

Félicitation aux 2 gagnants !

Vous pouvez découvrir toute la selection ci-dessous.

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Comment vous est venu l’idée de cette exposition ludique ?

Pour cette première participation, nous souhaitions tenir compte du contexte du festival : Nous voulions une oeuvre qui soit divertissante tout en restant accessible pour un public de tout âge. Ayant l’habitude d’intégrer de l’interactivité dans nos travaux, nous nous sommes naturellement orientés vers une installation avec laquelle le public pourrait jouer. Enfin, il nous semblait opportun que chaque motion designer de l’équipe mais aussi nos développeurs puissent contribuer au projet. Étant pour la plupart férus de jeux vidéo, l’idée de s’inspirer d’un jeu emblématique a rapidement coché tous ces critères.

Comment fonctionne le jeu ?

Le jeu nécessite la participation de deux joueurs qui se placent face à l’écran, en bas duquel se trouve un capteur de mouvement. Lors de la partie, chaque joueur utilise son bras pour contrôler la raquette et renvoyer la balle. Au fil du match, le terrain évolue à travers différents designs qui ont eux-mêmes une influence sur le cours du jeu…

L’expo s’inscrit dans la démarche de votre lab et de ce que vous avez pu faire pour l’INFRA. Pouvez-vous nous expliquer cette démarche ?

Nous sommes très attachés à la notion d’expérimentation. Chez nous, elle consiste à identifier des technologies qui ont un potentiel ou qui pourraient répondre à des besoins futurs de nos clients. Nous encourageons donc les initiatives visant à tester de outils innovants afin de se les approprier. Lorsque les contraintes d’une technologie sont identifiées, cela offre davantage de liberté à nos créatifs pour apporter des idées percutantes et novatrices. L’expérimentation est donc capital : il faut tester, retester encore et encore… L’intérêt d’un prototype est indéniable, nous avons des résultats immédiats en observant le comportement des utilisateurs en situation réelle. C’est la formule la plus convaincante.

Pour vous quel avenir a le motion design dans le milieu artistique?

Le motion design au service de l’oeuvre a de beaux jours devant lui. Il est aujourd’hui complètement intégré à la plupart des formes de performances artistiques, que ce soit sous forme de décor, de support vidéo-projeté, de personnage principal mappé sur n’importe quelle surface, de la plus petite à la plus monumentale. Son utilisation au théâtre, sur des scènes de danse, au cinéma, à l’opéra, en plein air, s’est largement démocratisée et l’immense quantité de styles et de possibilités techniques qui permettent d’en créer (2D, 3D, temps réel, pré-calculé, …) permettent d’entrevoir assez clairement un avenir radieux et plein d’innovation pour cette discipline.

Alain Puget – Chief Technical Officer
Frédéric Paul – Studio Director & Partner
Matthieu Chiama – DA Motion Designer

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